El soplo de Ingmar Bergman

por Carolina Hasbún

“No quiero producir un trabajo de arte ante el cual el público pueda sentarse y absorber estéticamente. Quiero soplar en lo bajo de su espalda, quemar su indiferencia y de un sobresalto sacarlos de su complacencia”

Ingmar Bergman

Ante las películas de Bergman, sólo hay dos posibilidades: la fascinación o la angustia, jamás la indiferencia. Y es que sus películas producen muchas veces incomodidad y perturbación. No obstante, para quienes busquen  un retrato realista sobre lo que se es como ser humano, esto puede ser fascinante. Dependerá de cada espectador, entonces, el juicio individual sobre sus filmes, basándose en la reacción subjetiva que a cada uno le provoque: cuán inquieto o bien cuán atraído cada cual se sienta con las imágenes que Bergman expone y con las preguntas que plantea en sus guiones. Pero más allá de los gustos personales, no hay duda que sus películas constituyen una provocación constante y un enérgico remezón frente a la apatía postmoderna: sus filmes son un soplo en lo bajo de nuestra espalda; corriente que aparta de nosotros lo artificial, despejando la aparente seguridad en la que se vive; para así poder, estremecidos, pero despiertos – ya sabemos que sólo despierto se puede estar vivo- distinguir más de cerca la verdad sobre lo que se es como ser humano. El director nos ofrece, a través de su aguda visión, la oportunidad de buscar, junto a los personajes de sus películas, el sentido de la vida, sin garantía sobre si éste se encuentre o no. Y es que lo importante nunca han sido las respuestas, las cuales de todas formas no existen en esta dimensión de la existencia. Lo que sí le importa a Bergman es el retrato del indagador(a) y la descripción del viaje. Dar cuenta, a través de sus personajes, de la sensación vertiginosa que éstos sienten ante una exploración desconocida y retratar nuestro propio vértigo, como audiencia, en la medida en que viajamos con ellos. Quizás, para muchos, esto signifique un recorrido peligroso, en cuanto logra forzar al espectador hacia sí mismo. He aquí la incomodidad que provoca su “soplo”. Y es que en sus películas nada es inofensivo. Éstas funcionan como claros espejos. Por esto mismo es rechazado por aquellas personas a quienes no les acomode el verse reflejados en el límpido espejo de sus personajes. Bergman perturba a quien no está preparado, forzando y desafiando sutilmente al espectador a que se vea frontalmente, alterando así el concepto de la propia identidad simulada que de sí mismo se tenga.

Sus filmes son de una intensidad tal que ser espectador de sus imágenes y reflexionar, a través de éstas,  sobre sus preguntas, no puede dejar a nadie impasible.

“Para Bergman, ser solitario es formular preguntas. Y hacer películas es responder a ellas. Imposible ser más clásicamente romántico”.

Jean Luc Godard

Sumergirse en la reflexiones de sus protagonistas, quienes están colmados de interrogaciones filosóficas y existenciales, implica, eso sí, una disposición específica y nada fácil. Para experimentar totalmente sus filmes se requiere contar con una disposición específica, una suerte de entrega por parte del espectador; una actitud de apertura y de arrojo. Se debe estar disponible emocionalmente para poder padecer la tensión en su dimensión total y lograr así, a través de sus personajes, ensanchar un poco la comprensión sobre la intrínseca naturaleza del hombre como un ser consciente de la muerte y la actitud de éste ante la difícil misión de vivir frente a un destino ineludible, limitado por el tiempo restante de vida; despojado ya de las máscaras y del mundo artificial que ha construido en su defensa. Estas condiciones son necesarias para que los espectadores puedan llegar  ̶  sincrónicamente, junto a los protagonistas  ̶  al hondo nivel de sus preguntas.

“Sé que ver una película es un proceso subjetivo: el ‘filme objetivo’ está allá arriba, en los proyectores de la pantalla, para tu ojo interior. Creo que esto es aún más cierto en las películas de Ingmar Bergman: nos vemos nosotros en ellos, pero no ‘como en un espejo’, no, mejor que eso: nos vemos ‘como en una película’ sobre nosotros mismos”.

Wim Wenders

El cine de Ingmar Bergman puede resultar abrumador para quienes no estén dispuestos a introducirse con él en sus historias, ya que implica revisar las propias. No me extraña el rechazo hacia su trabajo de parte de quienes carezcan del coraje para cuestionarse con valentía las grandes preguntas propias de la condición humana;  aquellas que se relacionan con Dios, el Demonio, la Muerte, el Amor, el Sentido, la Verdad, el Deseo, el Miedo; interrogaciones atemporales que nos acompañan desde el principio de los tiempos y que son formuladas a través de personajes siempre complejos y necesitados de contención y fusión emocional, total, casi religiosa.

La colección fílmica de Bergman

 

“No entiendo cómo las personas pueden hablar del ‘simbolismo’ de Bergman. Lejos de ser simbólico, a mi me parece que, a través un naturalismo casi biológico, alcanza una verdad espiritual sobre la vida humana que para él es importante”

Andrei Tarkovsky en Esculpiendo en el tiempo, p. 149

Sus filmes no pueden estar más lejos de una invitación a distraerse de la realidad, cine que tanto abunda en estos días. Bergman nos incita a todo lo contrario: a través de actuaciones impecables, sus películas obligan al espectador a adentrarse en la sicología más profunda del individuo y a explorar las reacciones de diversos personajes cuyo denominador común son siempre las preguntas de quién “se es” realmente, retratando el enfrentamiento de éstos hacia el irrevocable destino mortal de todo ser humano, en donde sobrarán las máscaras y los artificios.

“Creo que sus películas tendrán eterna relevancia, porque éstas se enfrentan con la dificultad de las relaciones personales y la falta de comunicación entre las personas; las aspiraciones religiosas y la moral, temas existenciales que seguirán siendo relevantes en cien años más”

Woody Allen

Entrevista de Richard Corliss en Times, 2007

El proyecto de Bergman es, en cualquier caso, filosófico. En sus películas se pregunta por lo moral, logrando explorar en esto sin autolimitarse con ningún dogma ni verdad; escurriéndose hábilmente de las etiquetas y los discursos y evitando hábilmente comprometerse con posturas determinadas. Más bien nos coloca ante situaciones que generalmente son antagónicas; contrastes necesarios para graficar las opciones que en la vida se presentan en los momentos más trascendentes. Luego que éstas son expuestas, es finalmente el espectador quien elige el camino.

“Bergman ha creado un estilo propio, una forma que él llama retrato sobre la ‘realidad  más allá de la realidad’”

“El auge de Bergman se ajusta al contexto de nuestros tiempos. Él es una voz que clama en el centro de la prosperidad que él hombre no puede vivir la prosperidad solo. (…) Ha centrado su lente en el paisaje interior y de su trabajo emerge una alegoría del progreso del alma, la suya, y por inferencia, el alma del hombre moderno”

Artículo publicado en Times Magazine, 14 de marzo 1960.

Ingmar ha llevado la filosofía al cine en cuanto se pregunta por los grandes temas de la existencia. Sus filmes están colmados de preguntas sobre la identidad, la realidad; qué es sueño y qué es vigilia; cuál es la verdad y el sentido de la existencia, la libertad humana, etcétera. Así como el protagonista de la película El mago (o El rostro), el director mismo se considera un hechicero, en cuanto imitador de la realidad. Ingmar afirma: “Puedo realizar trucos de hechicería con un aparato de magia tan caro y tan maravilloso que cualquier artista en la historia habría dado cualquier cosa para usarlo. Soy realmente un mago y en mi trabajo soy culpable de engañar. ”

“El mago” (o “El rostro”)

Título original: Ansiktet

Año:                  1958                        

Duración:         100 min.

“No ha habido un cuerpo de trabajo con el calibre e integridad de Bergman desde la guerra”

Truffaut, in Oliver pg 74 (1973)

Jesse Kalin, en el libro “The Films of Ingmar Bergman” (Cambridge University Press), afirma que el sentido es alcanzado por el director independientemente de cualquier moral y es el resultado de un proceso de auto-examinación: “Bergman, a través de su trabajo, está preocupado por una serie de temas, situaciones, sentimientos e imágenes, mientras expone la pregunta de si la vida ofrece piedad o sentido”. Además, Kalin pone en manifiesto las principales temáticas en sus películas: juicio, abandono, pasión, vergüenza, visión. A estos asuntos he agregado la simbología de los relojes (en  representación del tiempo); la infancia; Dios y el castigo; la locura; las relaciones (de pareja  y familiares); las islas (que representan el aislamiento de sus personajes y con ellos, el encierro del director mismo en la  isla en que vivió sus últimos años); la música y la perspectiva femenina, entre otros. Truffaut dice sobre esto lo siguiente: “Creo que está más involucrado con el principio femenino que con el feminismo. Las mujeres no son vistas desde un prisma masculino en sus filmes, sino que son observadas en un espíritu de total complicidad. Sus personajes femeninos son infinitamente sutiles, mientras que sus personajes masculinos son convencionales”.

Kalin también manifiesta: “el tema de Bergman no es el ser en sí mismo sino el mundo de la moral, nosotros como seres humanos en el siglo veinte: lo que es más profundo, más verdadero y más esencial en nosotros y qué significado podemos encontrar en nuestras vidas a través del rostro de esta verdad. Su objetivo es un retrato esencial, una imagen del ser humano con su corazón expuesto y latente, un dibujo de cómo nos vemos sin nuestras ilusiones y protecciones, evasiones y mentiras”.

Exploremos, entonces, sus temas principales:

 

 El juicio

Kalin, en el libro antes mencionado, escribe sobre el juicio en las películas deBergman. El ojo de Dios es reemplazado por el del propio individuo que espera el veredicto sobre sí mismo. En este proceso, ser juzgados y ser visto como se es en esencia equivalen al mismo proceso.  Para el hombre, entonces, el proceso de auto- juzgarse es una amenaza constante, pero es evitada por nosotros debido a la permanente confrontación con nuestras fallas y limitaciones, propias de la condición humana. Sin embargo, el director ofrece a sus personajes una esperanza (en algunas películas más que en otras) a través de la oportunidad de ser alguien y de cambiar el destino. Los relojes, en las películas de Bergman, recuerdan a sus protagonistas ̶   y al espectador ̶   que el tiempo de la muerte se acerca y con éste, el juicio.

El abandono

Según Kalin, en las películas de Bergman no es la muerte en sí misma lo que causa desesperación en el hombre, sino el abandono. Éste surge cuando los personajes despiertan abruptamente de su falsa seguridad: el sentimiento de perder el apoyo sobre aquello en lo que se confiaba, llámese religión, familia, etcétera, lo cual deja al individuo solo y angustiado.  Entonces surge la noción del  “Silencio de Dios”. Así es llamado el sentimiento de abandono en la película Los comulgantes, en donde el pastor  ̶  en quienes todos buscaban un representante que les trasmitiese fe y esperanza  ̶  es consciente de la mudez de parte del Creador y en consecuencia, el sinsentido de su existencia. Para él, ya no es importante si Aquel existe o no. El silencio de Dios equivale a su muerte. Si su Señor existe o no deja de ser relevante en la medida en que éste está silente frente al dolor y es indiferente a la desesperación del hombre.

El tema del abandono también es mostrado por Bergman a través de niños abandonados, quienes son dejados a su suerte por sus padres. Abundan, en sus películas, infantes desamparados emocionalmente y carentes de afecto; víctimas de progenitores que sólo desean controlar y dominar a sus descendientes, en lugar de amarlos. Ejemplos de éstos son Berit en Ciudad Portuaria; Henrik en Sonrisas de una noche de verano;  los niños de las películas El silencio y Persona; María en Cara a Cara; Eva en Sonata de Otoño; Nelly, la protagonista de Crisis (que ha sido abandonada por su madre quien la entregó en adopción), etcétera.

“Sonata de otoño”

Título original: Höstsonaten

Año:                  1978

Duración:         99 min.

“Ciudad portuaria”

Título original: Hamnstad

Año:                  1948              

Duración:         100 min.

“Sonrisas de una noche de verano”

Título original: Sommarnattens leende

Año:                  1955                 

Duración:         108 min.

El director expone, a su vez, la perspectiva de los padres que no quieren o no pueden serlo.  A continuación, mencionaremos algunos ejemplos de protagonistas que son madres-no-maternales, las cuales no sienten apego ni amor hacia sus hijos: Charlotte (la madre de Eva) enSonata de otoño; Elizabeth en Persona; Mónika en Un verano con Mónika (quien abandona a su hijo recién nacido); la hija de la doctora Jenny Isaksson en Cara a cara (quien enfrenta a su madre luego de que ésta intenta suicidarse y le dice que sabe que no es amada por ella, afirmación que la protagonista no puede negar); la joven que aborta en Ciudad portuaria, etcétera.  Por otra parte, también hay ejemplos de padres que no quieren asumir su condición de tales, como por ejemplo David en Como en un espejo (el padre de Karin y Minus) y Johan en Saraband (Johan era el protagonista en esta película, quien desprecia y humilla a su propio hijo), entre otros.

“Crisis”

Título original: Kris 

Año:                 1946       

Duración:         93 min.

 

También podemos incluir en esta categoría una película cuyo principal tema es la maternidad. En el umbral de la vida fue filmada en 1958 y trata de Cecilia, una mujer que, debido a una hemorragia en su embarazo, es hospitalizada y en ese lugar conoce a dos mujeres, Stina y Hjördis. Esta última tuvo un hijo ilegítimo y decidió abortar. A diferencia de los ejemplos anteriores, en este caso es comprensible la falta de sentido maternal de parte de la joven, ya que esta última no puede tener a su hijo porque es incapaz de asumir el cargo económico que implica ser madre, además del peso que en la época tiene la presión social, considerando el año de su filmación (1958). Podemos comparar este personaje con la joven de Crisis que debe abortar por las mismas razones que esta última.

 

En el umbral de la vida”

Título original: Nära livet

Año:                 1958

Duración:        84 min.

“Uno va avanzando paso a paso hacia la oscuridad. El movimiento es la única verdad”.

 En el umbral de la vida 

 

La Infancia 

“Ingmar Bergman es el cineasta del instante. Todos sus películas surgen de una reflexión de los personajes sobre el instante presente, reflexión profundizada por una especie de descuartizamiento de la duración, un poco a la manera de Proust, pero con mucha mayor fuerza.”

Jean Luc Godard

 

Bergman, a la manera de Proust, une los hilos de un tejido de imágenes a través del recuerdo. Sus remembranzas corresponden a la infancia, la cual está siempre accesible, vívida y cercana para los personajes (y para el mismo Bergman). Sus protagonistas saben que el tiempo de redimirse y enfrentarse con el dolor existencial es el presente; que es necesario manifestar este sufrimiento sin filtro ni ponderación alguna, sino todo lo contrario. La salida de la cárcel dolorosa de estos protagonistas sobre-adaptados y defensivos frente a cualquier conexión humana (que identifican como amenaza) siempre es expresarse descarnadamente, de una forma radical, completa  ̶ un giro violento ̶   y pedir, por la vía que sea necesaria, el amor y la atención de quienes se tiene cerca, con quien los personajes han logrado, a su manera, comunicarse desde ese estado de inocencia y fragilidad;  desde estados de regresión involuntarios; desde el miedo y el dolor en su estado puro. Generalmente, los personajes de las películas de Ingmar Bergman están perturbados, pero no son, por esto, víctimas: éstos también son persuasivos para buscar contacto. Manipulan y son manipulados. Actúan dentro de la actuación. Se conectan con las fantasías propias de los niños que no saben discernir entre qué es real y qué forma parte del sueño y la ficción. Y luego, desde la adultez y la catarsis de aquella conexión con la niñez y su nostalgia, estos personajes se saben adultos, pero no saben reconocerse como tales: seres sin más identidad que la referencia de quienes solían ser en el pasado; niños asustados y ávidos de amor, cuyo dolor persiste. Personajes frustrados con la propia vida, conscientes del poco tiempo con el que se cuenta para redimirse y deseosos de volver a empezar desde un estado nuevo de amor hacia sí mismos; libres, por fin, del tormento y la culpa.

“Hay momentos en que puedo vagar  a través de los paisajes de mi infancia, a través de habitaciones de hace mucho tiempo atrás, recordar como estaban decoradas, dónde estaban colgados los cuadros en las paredes, la forma en que la luz descendía”.

 Ingmar Bergman

Muchos de estos personajes son adultos, pero no se reconocen a sí mismos como tales porque su identidad se identifica con los niños que fueron, acarreando consigo los dolores de la niñez. Infantes que han crecido físicamente, pero que permanecen atados a su infancia y al dolor de antaño. Personajes deseosos de vivir y liberarse,  ávidos de amor, carentes de cariño y de buenos recuerdos pueriles que los sostengan y los impulsen hacia adelante. Estos personajes se sumergen hipnóticamente en estados de consciencia cuyas profundidades son tales que, luego de experimentar el dolor de una forma tan frontal y descarnada, no pueden volver atrás. Abren “ventanas” de conciencia que luego no pueden cerrar, ya que una vez que éstas son abiertas, sólo queda la posibilidad de la superación o la locura. Personajes que buscan acercamiento y contención emocional, fusión espiritual, como seres cohabitantes del dolor propio de ser personas.

 “De la vida de las marionetas”

Título original: Aus dem Leben der Marionetten 

Año:                  1980

Duración:         104 min.

“Teniendo niños sería diferente. Ahora somos nuestros propios hijos. No, eso no es verdad. Ninguno de nosotros quiere madurar. Ésa es la razón por la que peleamos y nos pegamos y lloramos. Ninguno de nosotros quiere hacerse mayor”.

“Es una tristeza interminable. Las personas como yo nunca se preocupan por su alma. ¿Sabes a lo que me refiero? Entonces enferma y nos bloqueamos”.

“Quizás deberíamos derrumbarnos de vez en cuando. Yo lo he hecho varias veces. No sé si me entristece, creo que no. Normalmente ha sido por amor. Soy muy dependiente de la proximidad. ¿Y eso dónde se encuentra? Lo digo en serio. Siempre la misma historia. Entonces se interpone el cuerpo, o bien el alma. Y entonces uno se llena de esperanzas, expectativas y compromisos. Dios, soy tan teórico”.

“¿Parezco mayor? Las líneas no importan, es lo feo lo que me atormenta. La piel, tan seca e incluso áspera, aunque le echo crema todas las noches. Las arrugas tan marcadas por la boca. Un día me desperté y me miré en el espejo. De repente estaba ahí. Como si hubiera tenido un infarto. Mi cuello estaba bien. Sin grandes catástrofes alrededor de los ojos. Pero mis manos son horribles. He preguntado a tres médicos qué hacer. Pueden quitar los lunares. Pero las venas y arrugas son horribles. Miro mi boca y mis manos y no me creo lo que veo. Sólo soy un niño. ¿O ya no lo soy? No sé nada del tiempo. No existe, dicen los que han pensado en ello. Cierro los ojos y me siento como un niño de diez años. Físicamente también. Entonces los abro. Y miro al espejo. Y ahí sólo veo un viejo. Un viejo infantil. ¿No es curioso? Un vejete infantil, eso es todo. Nos convertimos en eso. Simplemente eso. Toda esa intimidad es sólo un sueño. Crudeza y porquería. A veces tengo que ir a ciertos sitios. Me junto con la peor gente, no lo creerías. Placer y excitación increíble, brutalidad y porquería. Todo en un lío salvaje. La vida sexual que lleva tu vejete infantil no es exactamente suave. Algún día me apalearán hasta la muerte, eso también es tentador. Me llevan fuerzas que no puedo controlar. Médicos, amantes, pastillas, drogas, alcohol, trabajo. Nada ayuda. Son fuerzas secretas. ¿Cómo se llaman? No lo sé. Puede que sea el mismo envejecer, la putrefacción. Observo mi cara en el espejo. Me es bastante familiar. Y constato que en esta combinación de sangre y carne y nervios y hueso, hay dos… no se cómo llamarlos… dos entidades irreconciliables. El sueño de cercanía, dulzura, y comunidad. Abandono de lo vivo. Y por el otro lado violencia, terror, amenaza de muerte. A veces creo que todo eso tiene un origen común. No lo sé. ¿Cómo podría? Quizás mis sueños eran demasiado bonitos. Y como castigo la vida te sacude cuando menos te lo esperas”.

De la vida de las marionetas 

 

Espejos e identidad 

“El autorretrato es algo en lo que uno nunca debiese involucrarse, ya que está mal mentir, aunque uno se esfuerce en decir la verdad”.

Ingmar Bergman

 

Bergman describe magistralmente el proceso de la angustia existencial y la búsqueda emocional e identitaria. Sus protagonistas suelen ser complejos, los cuales se enfrentan de forma permanente con el dolor; procesos que son mostrados crudamente a través de ritmos adecuados. El director asume el riesgo que este ritmo implica y confía en la tensión que sus protagonistas pueden provocar  ̶ y que ciertamente provocan ̶  en el espectador. Esto es logrado a través de “eternos” primeros planos, como si esperase que el espectador pueda vivir sincrónicamente la experiencia junto a los personajes.  De esta manera, podemos ser testigos de las emociones de los protagonistas, quienes, en su condición de seres vivos, son permeables al dolor de la existencia.

 

Woody Allen sobre primeros planos de Bergman

“Muchos de los críticos de cine asignan a Bergman en una categoría inferior porque hace teatro-filmado. Yo no lo veo como una limitación, pero ¿no estaría usted de acuerdo que él era esencialmente un guionista que dirigió su propia obra?”

 

Woody Allen: “También podría decirse lo mismo de mí. Pero debe tener en cuenta películas como Gritos y Susurros, donde casi no hay diálogo. Esto sólo puede ser hecho en filmes. Él inventó un lenguaje cinematográfico que realmente nunca había sido hecho antes. Enfocaba muy de cerca el rostro de una persona y le dejaba ahí y solo la dejaba ahí y la dejaba ahí. Era lo opuesto a lo que uno aprendía a hacer en la escuela de cine, pero era enormemente efectivo y entretenido”

Woody Allen

Entrevista de Richard Corliss en Times, 2007

Ingmar Bergman insiste en exponer los temas del castigo, la infancia y la compleja realidad de las relaciones familiares y de pareja, además de preguntarse sobre Dios y retrata la conciencia de estar, como individuos, destinados a la muerte. Éstos son, entonces, los temas más recurrentes en sus filmes, frente a los cuales el director no busca teorizar ni resolver los misterios de la condición humana, lo cual sería imposible. Más bien expone a personajes atormentados, conscientes de su finitud como individuos y como especie; describiendo así, a través de fantasmas, sueños y fantasías religiosas, los temores que, como seres humanos, nos acechan constantemente.

“Para mí el cine es, ante todo, primeros planos. Los rostros de las personas. Me doy cuenta que esto es lo que me fascina más y más, lo cual experimento como un estímulo incesante.  Y no es todo cualquier cara, sino la de los actores. Porque los actores tratan con material acordado, crean nuevas dimensiones y nuevos secretos. Y siento que te llevará mucho más lejos, que el actor llegará mucho más lejos, cuando trata con esta idea, se mueve desde su propia personalidad hacia una suerte de anonimato. Se esconde detrás de un rol y de esta manera puede esta desnudo”

Ingmar Bergman: “Para mi, el filme es el rostro”

Annika Holm, Times Magazine

“La lección de Bergman es triple: la libertad en el diálogo, una limpieza radical de la imagen y la prioridad absoluta de la cara humana”.

François Truffaut

 

Dios y el castigo

En las películas de Bergman, el castigo severo a niños de parte de un adulto poderoso es en gran medida autobiográfico. Hijo de un luterano, Ingmar tuvo relación desde pequeño con los conceptos de pecado, castigo y búsqueda de redención. Fue un niño que creció con severas restricciones y falta de libertad. Bergman confiesa haber sido castigado por su padre de formas extremas en relación a sus faltas, lo que evidentemente lo marcó y lo cual es expuesto en sus películas. Refiriéndose a estas dolorosas experiencias infantiles, el director expresó que al menos su padre le dio “algo que quebrar”. Así nacen los temas de sus películas: Dios y el Diablo, la vida y la muerte, la dificultad y a veces imposibilidad de comunicarse en pareja y en consecuencia, la trágica soledad de los seres humanos.

“Casi toda nuestra educación estuvo basada en conceptos como pecado, confesión, castigo, perdón y misericordia, factores concretos en las relaciones entre padres e hijos, y con Dios»

 

“Los castigos eran algo completamente natural, algo que jamás se cuestionaba. A veces eran rápidos y sencillos como bofetadas y azotes en las nalgas, pero también podían adoptar formas muy sofisticadas, perfeccionadas a lo largo de generaciones”.

Ingmar Bergman

En Fanny y Alexander se exponeel tema del castigo desproporcionado en los niños. Las penalidades realizadas en nombre de Dios. La dominación a través del miedo. Tanto Bergman como sus personajes sienten impotencia frente a la autoridad.

El tema del castigo está tratado también en Secretos de un matrimonio. En esta película, la protagonista vive con el dolor de haber sido sancionada cuando niña de forma desproporcionada a sus faltas  por una abuela que la maltrataba en nombre del amor que le tenía (la manipulación para dominar es expuesta constantemente en sus películas). De ahí el carácter sumiso e inseguro de ésta, quien estaba siempre dispuesta a agradar y a fundirse en las necesidades de los demás por sobre las propias, creando en ella problemas de identidad  y dificultad para identificar quién era ella en realidad y cuáles eran sus propios deseos y aspiraciones.

“Fanny y Alexander”

Título original: Fanny och Alexander

Año:                 1982

Duración:         99 min.

Cabe mencionar que existe un excelente documental acerca de cómo se filmó esta película, el cual sería ideal poder ver para así complementar el filme.

Documental Fanny y Alexander”

Título original: Dokument Fanny och Alexander

Año:                  1986

Duración:         110 min.

En Los comulgantes, los temas del castigo, la iglesia y la existencia/inexistencia de Dios son expuestos de forma directa y explícita.

“Los comulgantes”

Título original:    Nattvardsgästerna

Año:                   1963

Duración:           81 min.

 

“Llevamos una vida normal, sencilla, y las atrocidades hacen añicos la seguridad de nuestro mundo. Nos abruma el sentido de las cosas y Dios se hace tan distante”

“Dame vida y significado y  seré tu esclavo obediente” (dirigiéndose a Dios)

“Si realmente no hay Dios, ¿realmente habría alguna diferencia? La vida se haría comprensible. Qué alivio.  Y luego la muerte sería extinguida de la vida”

Los comulgantes

 

“Yo creo que la respuesta negativa a Los comulgantes fue el primer soplo. Yo me sentía muy cercano a esa película, pero ésta fue criticada y las audiencias se alejaron de ésta. Esa fue la única vez que tuve éxito en hacer una película de la forma que verdaderamente quería hacerla. Y luego, el repugnante escándalo sobre El silencio, donde la gente pierde de vista lo esencial a favor de lo no esencial”

Ingmar Bergman: Para mí, el filme es el rostro

Annika Holm, Times Magazine

 

Otra de los filmes en que Ingmar Bergman expone el tema del castigo; la (in)justicia Dios; la venganza y el perdón es El manantial de la doncella. En esta película  ̶ ganadora de un premio de la Academia por Mejor Película Extranjera ̶    el director nos sitúa en la historia de un padre que siente necesidad de vengar a su hija  violada y asesinada, pese a su fuerte fe y devoción cristiana. 

 

“El manantial de la doncella”

Título original:Jungfrukällan 

Año:                  1960        

Duración:         89 min.

“Dios, casi los piso en esta oscuridad. Pobre insecto, sigue viviendo afuera tu miserable vida, como seguramente Dios nos deja vivir a nosotros”.

“Tú lo viste, Dios, tú lo viste. La muerte de una niña inocente y mi venganza. Tú lo permitiste. ¡No te entiendo! pero a pesar de eso ahora te pido tu perdón. No conozco otra forma de reconciliarme con mis propias manos, no conozco otra forma de vivir”

El manantial de la doncella

 

“En la última acequia de la desesperación, Bergman encuentra el valor de ser. La vida que él llora es el sentido de la vida. ‘Paso a paso tú vas entrando en la oscuridad. El movimiento en sí mismo es la única verdad. Las formas más peligrosas  son los únicas que pueden pasarse’. Es una declaración existencialista y Bergman es un existencialista apasionado, pero más en el sentido de  cristiano de Kierkegaard que en el sentido ateísta de Sartre.  ‘La esencia del hombre’, escribió Sartre, ‘es su existencia’. ‘La esencia del hombre’, dice Bergman, ‘es la existencia de Dios’. ‘De alguna manera la vida sigue. Creo en la vida, en esta vida, una vida después de la muerte, todo tipo de vida… Y la muerte es parte de la vida’”

Artículo publicado en Times Magazine, 14 de marzo 1960.

 

 “El silencio”

Título original: Tystnaden 

Año:                   1963

Duración:          96 min

“El Séptimo Sello”

Título original: Det sjunde inseglet

Año:                   1957

Duración:         96 min.

“¡Quiero conocimiento, no fe, sino conocimiento! Quiero que Dios estire su mano hacia mí, ¡que descubra su rostro, que me hable!”

El Séptimo Sello 

 

La música 

Y el cine es principalmente ritmo; es inhalación y exhalación en secuencia continua.” 

Ingmar Bergman

 

Bergman hace constantes relaciones entre el cine y la música.  Sus películas hacen referencia a la importancia de ésta para el proceso de conexión con la identidad de una forma emocional y directa. En la película (para televisión) En presencia de un payaso, Carl Åkerblom (el protagonista) es un admirador de Schubert. Así también, los protagonistas de Hacia la felicidad son violinistas, y Nelly, de Crisis, también es una violinista. En Saraband, ambos, padre e hija, comparten la pasión por la música y es ésta la vía por la que se conectan. En Música en la oscuridad,Bengt Vyldeke es un soldado ciego que trabajaba como pianista luego de perder la vista en un accidente. Y la madre en Sonata de otoño también es una pianista famosa y egoísta con su hija.

“Limitado por su presupuesto a las películas en blanco y negro, Bergman explota las posibilidades expresivas de la luz tal vez mucho más que cualquier director vivo. Y utiliza el sonido y el silencio-con la habilidad y la sensibilidad de un compositor”

Artículo publicado en Times Magazine, 14 de marzo 1960

 

“El filme como un sueño, el filme como música. Ningún otro arte atraviesa hacia nuestra consciencia de la manera en que lo hace el filme, el cual va directo hacia nuestros sentimientos, en el fondo de la oscura habitación de nuestras almas”.

Ingmar Bergman

 “Música en la oscuridad”

Título original: Musik i mörker

Año:                   1948

Duración:          87 min. 

 

La locura como refugio a la realidad

Los personajes de las películas de Ingmar Bergman suelen protegerse de la realidad a través de la locura. Así, en Cara a cara se narra la irónica historia de una siquiatra que sufre una enfermedad mental, limitada dramáticamente por incesantes alucinaciones. Otro de los abundantes ejemplos de esto es el protagonista de En presencia de un payaso. Así también encontramos locura en la protagonista de la película Como un espejo. Otro caso de locura tenemos en Peter,  el asesino del filme De la vida de las marionetas.

 

“Como en un espejo”

Título original:    Såsom i en spegel

Año:                     1961

Duración:             89 min.

 

Examinemos Como en un espejo. La enajenación de Karin es tan convincente que el resto de la familia, de alguna manera, le teme, ya sus imágenes resultan reales y en cuanto tales, persuasivas. Generalmente, en las películas de Bergman, la demencia de los protagonistas es temida por el resto de los personajes ya que estos últimos son concientes de que enfrentarse a la realidad, de la forma en que la afrontan los protagonistas que alucinan, requiere de un coraje que ellos no poseen. En este sentido, en las películas de este director, las alucinaciones de aquellos personajes que caminan en el borde de la lucidez no son locuras absolutas. Quizás resultan ser metáforas, encarnación de los miedos que a los individuos nos acechan; pero el hecho de padecerlos, de ser presa de estas imágenes, constituye parte de su realidad y en este sentido existen. Estos personajes suelen ser protagonistas persuasivos con el poder de hipnotizar a los más “cuerdos”. Por lo tanto, en las películas de Bergman, muchas veces quien enloquece o quien vive en un aparente caos es quien más lúcido resulta frente a la realidad. En los filmes de este director, la locura suele resultar más convincente que el mundo “ordenado”, cuya sistematización sólo lo es en apariencia; mundo vulnerable y dispuesto a ser violentamente desenmascarado por una sola visión penetrante de protagonistas arrojados que no temen ver el mundo tal cual es. Por cierto que esta forma de exponer la locura como lucidez no está exenta de ironía.

“Cara a cara, al desnudo”

Título original: Ansikte mot ansikte

Año:                 1976

Duración:         114 min.

 

“Persona”

Título original: Persona

Año:                  1966

Duración:        85 min.

“Él estaba casado, mantuvimos una relación de cinco años. Después se cansó, por supuesto (…) una ficción barata. En cierto modo nunca fue verdaderamente real. No sé cómo describirlo. Al menos yo no fui muy real para él. Mi dolor era real, eso seguro”.

“Uno debería ser como tú. ¿Sabes lo que pensé cuando vi tu película aquella noche? Creo que Cuando llegué a casa me vi y pensé ‘somos iguales’ (…) creo que me podría convertir en ti si hiciera un verdadero esfuerzo”

“¿Estuviste anoche en mi habitación? ¿Me hablaste?”

“¡Todas son mentiras e imitaciones!”

Persona

 

“Es profundo aquello que es imprevisible, y cada nuevo film de este autor desconcierta a menudo a los más cálidos partidarios del precedente. Esperamos una comedia y lo que obtenemos es un misterio medieval”.

Jean Luc Godard 

 

En presencia de un payaso”

Título original: Larmar och gör sig till 

Año:                   1997

Duración:       119 min.

 

“Nuestra libertad es restringida y la libertad es un don que dios dio al hombre. Pero no seamos mezquinos y comparemos la libertad exterior con la libertad interior subjetiva, autoconvenciéndonos y autodestruyendo lo que llamamos libertad interior  ya que es tan compleja que no puede ser codificada, analizada ni clasificada. La libertad es la característica más elevada del ser espíritu humano, la antigua fuente del Divino y la inmortalidad literal de la vida. Nuestro encarcelamiento en esta humillante prisión del cuerpo es tan sólo una nulidad que no debe perturbar el vuelo de nuestros pensamientos. Nuestra libertad interior es, por más amenazada que se la vea, un hecho fascinante e inquebrantable que tenemos entre las manos cuando las elevamos a la luz eterna.”

“Uno siempre está solo, pero a veces la soledad se hace evidente.”

En presencia de un payaso 

 

La realidad, el sueño o la ilusión 

“Cuando una película no es un documento, es un sueño”

Ingmar Bergman

Los sueños, en los personajes de Bergman, son una forma de mostrar el inconsciente. En éstos, la emoción es descarnada, aparentemente irracional y caótica, pero más genuina y poderosa que ninguna. El poder de estas imágenes reside en acceder a los personajes por vías subterráneas; cuando se duerme, cuando no hay defensas ni censura. Los sueños también permanecen en la vigilia y por esto las imágenes oníricas en los protagonistas son causa de confusión y desconcierto.

 

“Caminamos en círculos, tan limitados por nuestras propias ansiedades que ya no podemos distinguir entre lo verdadero y lo falso, entre el capricho de los gángsters y el ideal más puro “

 Ingmar Bergman

 

“Me gustaría contarte lo que me ronda la cabeza. Todos tenemos preocupaciones, ¿o no? La mía es más bien especial, por eso estoy acá. Crees que hablo mucho. Es verdad. No me atrevo a contarte lo que pasa Mientras no diga las palabras, sólo es un sueño. Diciéndolo lo convierto en realidad”.

“Lo que le voy a describir no es un sueño normal, si no el efecto nocturno de somníferos y alcohol. Si asegurara que todo parecía más real y horrible que en mi gris existencia diaria, sería un tópico. Puede tirarlo a la  basura. No escribo para entretener, sino porque no lo puedo evitar. Soñé que estaba durmiendo, soñé que estaba soñando (…) Soñé que me despertaba del sueño más profundo. Estoy en un espacio cerrado, sin techo ni paredes, a lo mejor encerado en una pelota o una elipse. No sé exactamente cómo, nunca pensé en explorar los bordes de ese espacio. Me sentía caliente y satisfecho. Katarina estaba tumbada a mi lado, sin moverse, durmiendo.  Supe inmediatamente que todo era un sueño. Me dije a mi mismo que no debía tener miedo. Y que el único peligro era el miedo mismo. De sucumbir al pánico y tratar de escapar. De llorar o gritar  o golpear las paredes. Decidí mantener la calma, Katarina se despertó lentamente, Intenté hablar con ella, pero no podía alcanzarla. Actuó como si yo no estuviera ahí. Era suave y estimulantemente indiferente. Yo quería hacer el amor pero me evitó. Me miró con los ojos entreabiertos y sonrió. Estaba lleno de ira y retrocedí para no matarla. Casi me ahogo de rabia. Tengo que permanecer calmado, sin miedo, predecible. Todo salió mal (…) ¿Puede ayudarme? ¿Estoy vivo? ¿O fue el sueño mi único momento de vida, de realidad experimentada y robada?”.

De la vida de las marionetas 

 

“Creadores de imágenes”

Título original: Bildmakarna

Año:                  (TV 2000)

Duración:         99 min.

 

“Tras el ensayo”

Título original: Efter repetitionen (TV)

Año:                  1984

Duración:          96 min. 

 

Relojes

Los relojes, en la películas de este director, son claros símbolos de la conciencia desesperada que tienen los protagonistas sobre de una existencia breve y un tiempo que se agota permanentemente. Son muchas sus películas en donde suenan los relojes en contraste con el silencio de fondo (el cual sólo aumenta su resonancia), provocando tensión, ansiedad y desesperación en sus personajes.  Ejemplo: Crisis, Tres amores extraños, Prison, Un verano con Mónika, Juegos de verano, Los comulgantes, La pasión de Ana, Sueños, Saraband, Gritos y susurros, Ciudad portuaria, El silencio, Persona, La vergüenza, La carcoma, De la vida de las marionetas, entre otros. La mejor evidencia de este símbolo está expuesta en la película Fresas Salvajes. En ésta, los relojes acosan al protagonista constantemente. La audiencia puede ser testigo de la impresión que tieneel personaje principal al presenciar un reloj sin agujas.

“Fresas salvajes”

Título original:   Smultronstället

Año:                    1957

Duración:           91 min. 

 

Relaciones de pareja/familiares

Las relaciones de pareja y entre familiares es otra de las obsesiones del director. A continuación, daremos ejemplos de películas en donde se trata la dificultad y a veces la imposibilidad de llevar a cabo la comunicación entre dos que se aman (o se utilizan): Secretos de un matrimonio, La pasión de Ana, Persona, Sueños, Un verano con Mónika. Generalmente uno de los personajes necesita controlar al otro, quien es víctima, pero el cual también necesita el control del primero. Salir del patrón acostumbrado es el desafío que suelen tener estos personajes. Muchas veces la incomunicación total es disfrazada con buenos tratos (Secretos de un matrimonio, Gritos y Susurros), pero la verdad termina manifestándose siempre. En algunos casos, la falta de libertad y la incomunicación (dependiendo del caso) crea tal frustración y rabia en los personajes que éstos llegan a agredir físicamente a quienes decían amar: Secretos de un matrimonio, La pasión de Ana y En presencia de un payaso.

“Secretos de un matrimonio” (o “Escenas de la vida conyugal”)

Título original: Scener ur ett äktenskap

Año:                 1973

Duración:        89 min.

“Saraband”

Título original: Saraband

Año:                  2003

Duración:         120 min. 

 

“La pasión de Ana”

Título original: En passion

Año:                  1969

Duración:         101 minutos

 “¿Qué veneno corroe lo mejor de nosotros y deja sólo el armazón?”

La pasión de Ana

 

“Un verano con Mónica”

Título original: Sommaren med Monika

Año:                 1953

Duración:        96 min.

 

 Gritos y susurros”

Título original: Viskningar och rop

Año:                 1972

Duración:         91 min. 

 

“Sueños”

Título original: Kvinnodröm 

Año:                  1955

Duración:         85 min.

 

“Hacia la felicidad”

Título original: Till glädje

Año:                 1950

Duración:         98 min.

“¿Será esto así toda la vida? Pequeñas preocupaciones y alegrías. Pequeñas adversidades. Nada que no pueda soportar. Es horrible soportar que me lo puedan reprochar, ¿verdad? Creo que es distinto. No está escrito que un hombre deba estar contento. Ni siquiera que deba ser feliz.”

Hacia la felicidad

 

 “Juegos de verano

Título original: Sommarlek 

Año:                   1951         

Duración:          96 min.

 

Islas y aislamiento 

No es casual que Ingmar Bergman haya vivido los últimos años de su vida en una isla y que, a su vez, algunos personajes de sus películas también se encuentren aislados del resto del mundo. Los protagonistas de los filmes La pasión de Ana y Como en un espejo, por ejemplo, viven, como Bergman lo hizo, en una isla. Este aislamiento es una metáfora del encierro emocional en el aquellos se encuentran.

Ingmar trabajaba compulsivamente, pero no hay duda que amaba lo que hacía. Así se refería el director a su obsesión: “Para mi, hay una sola lealtad: hacia la película en la que estoy trabajando.  Puedo mentir si es una mentira hermosa, prostituir mi talento si va a seguir mi causa, robarla si no hay otra manera. También podría matar a mis amigos o a cualquiera si me ayudara mi arte”. 

 

Dos cartas de Ingmar Bergman a propósito de su nominación al Óscar 

Carta de Stanley Kubrick a Ingmar Bergman

Otraspelículas del director:

“El ojo del diablo”

Título original:Djävulens öga

Año:                  1960              

Duración:         87 min.    

“Una lección de amor”

Título original: En lektion i kärlek

Año:                  1954

Duración:         96 min.

“La carcoma”

Título original: Beröringen 

Año:                   1971          

Duración:         115 min.

“La vergüenza”

Título original: Skammen

Año:                   1968     

Duración:         103 min.

“La hora del lobo”

Título original: Vargtimmen

Año:                   1968        

Duración:         91 min.

Ya que su obra es en gran medida autobiográfica, es ideal poder complementar sus películas con sus memorias. Los libros autobiográficos como La linterna mágica (1988) e Imágenes: mi vida en películas (1994) lo retratan desde una perspectiva más íntima y personal. También pueden verse los siguientes documentales:

 “La trilogía Bergman”

Título original: The Bergman Trilogy

Director:          Marie Nyrerod

Año:                  2004

Duración:         174 min.

“Bilder från lekstugan”

Título original: Bilder från lekstugan

Año:                  2009

Duración:         29 min.

“Documento sobre Farö”

Título original: Fårö-dokument 1979

Año:                  1979

Duración:         103  min.

“The Bergman File”

Título original: The Bergman File

Director:           Jörn Donner

Año:                  1978             

Duración:         56 min.

 Ingmar Bergman gör en film” 

Título original: Ingmar Bergman gör en film 

Año:                  1963

Duración:         146 min.

Pese a que al director no le gustaba dar entrevistas, hizo algunas excepciones. Reflexiones sobre la vida, la muerte y el amor es una de éstas. Una filmación de 30 minutos, producida por Malou von Sivers, en la cual Ingmar Bergman es entrevistado junto a Erland Josephson (disponible en Youtube).

 

“A lo largo de mi vida, desde que yo era un niño, he sido tremendamente curioso, en todos los niveles posibles y diversos, porque hay muchos tipos de curiosidad, pero en realidad mi curiosidad no tiene límites”.

Ingmar Bergman: Reflections on Life, Death and Love, with Erland Josephson (1998)

Este tremendo director, creador de tan profundos guiones, merece un acercamiento y una revisita constante. Los temas de sus películas siempre serán actuales en cuanto son universales y merecen nuestro respeto y nuestra atención. Los invito, entonces, a través de sus películas, a encontrarse con ustedes mismos. 

 

Filmografía

Como director:

“Crisis”

“Kris”,1945

(También guionista, adaptación)

“Llueve sobre nuestro amor”

“Det regnar på vår kärlek”, 1946)

(También co-escritor)
“Viaje a la India”

“Skepp till Indialand”, 1947)

(También escritor adaptación)
“Música en la oscuridad”

(Musik i mörker, 1948)
“Ciudad portuaria”

“Hamnstad”, 1948)

(También co-escritor)
El demonio nos gobierna”

“Fängelse”, 1949

(También escritor)
Tres amores extraños” (o “La sed”)

“Törst”, 1949
“Hacia la felicidad”

“Till glädje”,1950

(También escritor)
“Esto no puede pasar acá”

“Sånt händer inte här, 1950)
“Juegos de verano”

“Sommarlek”, 1950

(También co-escritor)
“Mujeres que esperan”

“Kvinnors väntan”, 1952

(También escritor)

“Un verano con Mónica”

“Sommaren med Monika”, 1953

(También co-escritor)

“Noche de circo”

“Gycklarnas afton”, 1953

(También escritor)
“Una lección de amor”

“En lektion i kärlek”, 1954

(También escritor)

 

“Sueños”

“Kvinnodröm”, 1955)

(También escritor)

“Sonrisas de una noche de verano” 

“Sommarnattens leend”, 1955

(También escritor)
“El séptimo sello”

“Det sjunde inseglet”, 1957

(También escritor)
Fresas salvajes”

“Smultronstället”, 1957

(También escritor)
“En el umbral de la vida”

“Nära livet”, 1958

(También escritor)
“El rostro” (o “el mago”)

“Ansiktet”, 1958

(También escritor)
El manantial de la doncella”

“Jungfrukällan”,1960
“El ojo del diablo”

“Djävulens öga, 1960

(También escritor, adaptación)

“Como en un espejo”

“Såsom i en spegel”, 1961)

(También escritor)
“Los comulgantes”

“Nattvardsgästerna”,1963

(También escritor)
“El silencio”

“Tystnaden”,1963

(También escritor)
“¡Esas mujeres!”

“För att inte tala om alla dessa kvinnor”, 1964

(También co-escritor)
Persona”

“Persona”, 1966

(También escritor)

“Stimulantia”

“Stimulantia”, 1967

(También escritor, fotógrafo, narrador, corto episodio de “Daniel”)
“La hora del lobo”

“Vargtimmen”, 1968

(También escritor)
“La vergüenza”

“Skammen”, 1968

(También co-productor y escritor)
“El ritual”

“Riten”, 1969

(También co-productor, escritor, actor)
“La pasión de Ana”

(“A Passion”, 1969)

(También co-productor y escritor)

“El documental Fårö”

“Fårö-dokument”, 1970

(También co-productor y escritor)

(Documental de televisión)

“La carcoma” (o “El toque”)

“Beröringen”, 1971

(También co-productor y escritor)

“Gritos y susurros”

“Viskningar och rop”, 1972

(También co-productor y escritor)
“Escenas de un matrimonio”

Scener ur ett äktenskap, 1973

(También co-productor y escritor).

(Versión de 300 minutos para la televisión, dividida en seis partes)
“La flauta mágica”

“Trollflöjten”, 1975

(También escritor, adaptación)

(Producción para la televisión)

“Cara a cara”

“Ansikte mot ansikte”, 1976

(También co-productor y escritor).

(Versión de 200 minutos para la televisión, dividida en cuatro partes)

“El huevo de la serpiente”

“Das Schlangenei”, 1977

(También escritor)
“Sonata de otoño”

“Herbstsonate”, 1978

(También productor y escritor).

“Documental de Fårö 1979”

“Fårö-dokument 1979”

(También co-productor, escritor, narrador).

(Documental para la televisión)
“De la vida de las marionetas”

“Aus dem Leben des Marionetten”, 1980

(También co-productor y escritor)

(Producción para la televisión)
“Fanny y Alexander”

“Fanny och Alexander”, 1982

(También co-productor y escritor)

Versión para la televisión de 312 minutos dividida en cinco partes.

“Tras el ensayo”

“Efter repetitionen”, 1984

(También productor y escritor)

Producción para la televisión
“Los escogidos”

“De två saliga”, 1985

Producción para la televisión

“Documental sobre Fanny y Alexander”

“Dokument Fanny och Alexander”, 1986

(También productor y escritor)

(Documental para la televisión)
“La cara de Karin”

“Karins ansikte”, 1986

(También productor y escritor)

Cortometraje para la televisión
“En presencia de un payaso”

“Larmar och görsig till”, 1997

(También escritor)

(Producción para la televisión)
“Creadores de imágenes”

“Bildmakarna”, 2000

(También escritor, adaptación)

(Producido para la televisión)
“Saraband”

“Saraband”,2002

(También escritor)

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